当代著名学者、艺术家陈丹青先生，是一名特立独行，敢说、敢作敢为的人，他在几十年的艺术生涯里，关于艺术那些事，发表过许多振聋发聩的见解。

前些年，他写过一篇名为《中国画的没落就从素描教学开始》的文章，这篇文章发表后，一石激起千层浪，立马引起众多同行的反驳。

于是，在2015年10月18日的《收藏周刊》上，一篇名为《陈丹青：一切从素描开始，毁了国画》的文章横空出世，是美术界代表人物反击陈丹青的见证。

陈丹青在那篇文章里开门见山，直接用题目表达了自己的中心观点：中国画的没落，就是从素描教学开始。这句话也可以理解为：是素描毁了中国画。

陈丹青所说的，实际上也是这100年来美术界一直争论不休的一个问题。产生这个问题的背景是：自从100年前东西方文化交融后，素描技法被徐悲鸿（1895年——1953年）先生引入到中国画以来，到底对中国画带来了哪些影响？

素描真的对中国画一无是处吗？

要正确理解这句话，必须先从中国画和素描的本质说起。

中国画是符合中国人审美情趣的一种传统绘画种类，依靠笔墨纸砚作为绘画工具，以皴擦点染作为基本技法，强调神似，重视笔法和墨法的运用。整体来说，中国画是重在表现的视觉艺术，把气韵和意境看作首要艺术目的。

素描是西方绘画重要的造型手段，也被看作是一种单色绘画，常常把一些科学手段吸收进去，比如，焦点透视法、黄金分割法、解剖学、构图学，等等，旨在表现物象的立体感、空间感和质感。可以说，素描是西方绘画的基础，是反映画家在空间造型能力上的重要指标。若没有素描基础，肯定画不好西画。

中国画的特质注定了国画在创作时，以抒发画家的主观情趣为主，不会拘泥于表现物象的外在形体。如果把素描关系放在第一位，刻意去表现造型效果和光影关系，肯定会牺牲笔墨的作用，影响画家对笔墨趣味的自由发挥，最终会导致笔法和墨法在画面中的剥离，因为在国画作品里，笔墨始终是不可分离的，是融为一体的，只有如此，才能体现出东方式的审美情调。

实际上，早在1500多年前的南朝齐梁时期，著名画家、评论家谢赫，就总结出“谢赫六法”，为中国画的审美制定了约定俗成的法则，后人只需按照这套法则，不论是创作还是欣赏，都可以感受到中国画的趣味。

“谢赫六法”把“气韵生动”和“骨法用笔”放在前列，肯定了中国画是以气韵和用笔来展现其独特味道的，这也是中国画区别于西方绘画最根本的外在视觉感受。

气韵是指国画作品从整体上散发出来的气势和韵味，首先能从一幅山水画里看到如群山那样延绵不绝的气势，符合自然环境的地貌特征，具有深远的空间感，以及或雄伟壮阔，或幽静肃穆，或秀丽自然，或明快高旷的意境，满足这些特征，就是一幅好画。

骨法用笔是指，在画中塑造山体，石块，人物、动物，河流，瀑布，花草，树木等物象的轮廓时，通常以线条为主，要从线条里看到千姿百态的用笔方法，这些用笔方法跟书法用笔是相通的，只要这些线条耐看耐品，苍劲老辣，富于变化，在笔墨品味上就没有问题。

对人物画来说，要通过线条和笔墨的灵活运用，体现出人物内在的情感状态和精神面貌，至于造型准确与否并不是画家首要考虑的问题，体现神韵才是第一要素。

从古至今，中国画从来没有把造型看作是第一追求，把笔墨形态玩出具有音乐般的节奏韵律，抒发画家心中的意趣和情感，引发观者的审美思考，才是国画追求的。

素描是一种依托科学手段建立起来的创作方法，不但要塑造物象的完整形象，也要体现出光影明暗的对比关系，还要体现出空间的层次关系。如果中国画按照素描的要求来画，肯定要牺牲掉笔墨的趣味和线条的变化，让它们失去自由发挥的余地，最终让国画变成“四不像”。

实际上，早在康熙年间，来自意大利米兰的宫廷画师郎世宁（1688年——1766年）就这样探索过中西结合的国画，他用西方绘画的技法和技巧，驾驭笔墨纸砚来画中国画，画出的画，除过给人感觉很像、很逼真之外，并没有值得细品的地方。缺乏让欣赏者审美再创造的空间，不会引发欣赏者展开审美联想。

谈完绘画圈存在的问题后，陈丹青在文中又谈到了他对美术教育的担忧，他说：我每次看到考前班的素描，我就想死。

因为现在美术专业生要想上美术院校，不论是学习国画还是西画，被学校一刀切地把素描基本功当作一项最重要的考核内容，学生们为了通过考核，只能去培训班突击培训，把大把精力花在提升素描功底上，硬是把绘画当作一门科学或手艺来学习，陷入公式化、程式化的学习模式。

然而，绘画从来不是一门科学，中国画更是如此，如果用科学的方法学习绘画只能学成画匠。从近几届全国美展获奖作品就能看到，现在的人物画家，只会玩造型和结构，玩技巧层面的东西，而把中国画最核心的元素——笔墨趣味，忘得一干二净，压根就玩不了笔墨，最终导致中国画整体水准在下降，绘画人才后继无人。

从这个层面来讲，我非常赞成陈丹青的观点，他是一名有担当的知识分子。