1.学插画的基本基础有哪些

凡是学画画的都要学的

素描-------------绘画及造型设计的基础，好的素描学员，可以将素描里的知识融合到艺术的任何领域。

色彩-------------包括很多，主要学配色和色彩心理学！

平面构成-------构图的基础，好的构图源于平面构成。

上面是基础中的基础！插画人必须掌握！就好像画抽象的人都要经历画超写实绘画这个过程一样。只有基础打牢固了，才可以更好的延伸！

作为插画师首先最好确定个方向在去学，不要盲目！

如：画场景的和画人物的就不一样！画漫画的和画游戏插画的又不一样！

因为不一样，学习就肯定不一样！刚开始什么都学，那只会什么都学不好！

建议学好一个后在延伸！

如：场景---必须知道各个时期各个国家的特殊建筑的建筑风格！

如：人物---了解各种夸张造型的结构。了解服装设计、流行趋势！

等。

2.求插画的理论知识

商业插画的概念

为企业或产品绘制插图，获得与之相关的报酬，作者放弃对作品的所有权，只保留署名权的商业买卖行为，即为商业插画。

这种行为和我们以前认为的绘画是有本质区别的，艺术绘画作品在没有被个人或机构收藏之前，可以无限制的在各种媒体上刊载或展示，作者得到很小比例的费用。而商业插画只能为一个商品或客户服务，一旦支付费用，作者便放弃了作品的所有权，而相应得到比例较大的报酬，这和艺术绘画被收藏或拍卖的最终结果是相同的。

但是，商业插画的使用寿命是短暂的，一个商品或企业在进行更新换代时，此副作品即宣告消亡或终止宣传。从科学定义上来看，似乎商业插画的结局有点悲壮，但另一方面，商业插画在短暂的时间里迸发的光辉是艺术绘画不能比拟的。因为商业插画是借助广告渠道进行传播，覆盖面很广，社会关注率比艺术绘画高出许多倍。比如这幅酸奶包装的数码插画（如图），在两年的市场售卖中，因为画面精美，吸引消费者购买的数量超过亿计，设想以下，在下一个产品替代它之前的时间里，这个数量还会增加。有多少艺术绘画作品能在两年时间里被上亿人看到呢？这样的辉煌是无以伦比的！

商业插画有四个组成部分：

（一）广告商业插画

（二）卡通吉祥物设计

（三）出版物插图

（四）影视游戏美术设定

1. 广告商业插画

为商品服务-必须具有强烈的消费意识

为广告商服务-必须具有灵活的价值观念

为社会服务-必须具有仁厚的群体责任

2. 卡通吉祥物设计

产品吉祥物-了解产品寻找卡通与产品的结合点

企业吉祥物-结合企业的CI规范为企业度身定制

社会吉祥物-分析社会活动特点适时迎合便于延展

3. 出版物插图

文学艺术类-具备良好的艺术修养和文学功底

儿童读物类-拥有健康快乐的童趣和观察体验

自然科普类-扎实的美术功底和超常的想象力

社会人文类-丰富多彩的生活阅历和默写技能

4. 影视游戏美术设定

形象设计类-人格互换形神离合的情感流露

场景设计类-独特视角微观宏观的约减综合

故事脚本类-文学音乐通过美术的手段体现

商业插画有一定的规则，它必须具备以下三个要素：

（一）直接传达消费需求

（二）符合大众审美品位

（三）夸张强化商品特性

想具备这三点，就要看插画师的综合素质了。

表达商品信息要直接，因为消费者不会花时间去理解你绘画的含义。由于人类的消费习惯有相当的持续性，在琳琅满目的购物环境里，如果消费者在一秒中之内没有看到或没有被你的插画所吸引，恐怕他将一年或几年都不会买这个商品了。

假设消费者看到了你的插画，但对画面的颜色构图或形象产生逆反心态，也会导致前面的结果。所以；符合大众审美品位是商业插画师要经过的第二道关。能具有艺术眼光去消费的人太稀有了！你的作品太艺术，别人看不懂，太低俗，人家瞧不上，做得到这样的火候才算是合格的商业插画师。

在消费者的注目下，你的作品进入第三关，和周遍的产品比较。如果插画没有强化和夸张商品特性，被其他的商品压倒了，那么，也会产生前面的结果！在超市里经常见到挑挑拣拣拿起放下的情景，直到结帐之后，一幅商业插画才算成功通过测试（LSMH 整理）

3.插画学习中,最重要的应该是什么

学会一些软件技法，CG操作技法，真的还不需要什么基础，不过只能在插画行业从事一些技术性的工作，而不能做创作性的工作。

而基础不错的话，加上自己的勤奋练习，那就可以更多从事创意性的插画工作了。

其实谁所以，你有两个选择，要么不练基础，学些CG知识，以后从事插画的一些相关技术工作，也能生存。要么好好练习基础，当然基础不是一蹴而就的事情，你还是可以选择先从事一些插画技术性的工作，一边好好磨练自己的创作基础能力，厚积薄发，等待一两年以后，走上创作的道路。都是从没基础到有基础的，中间需要一个勤奋练习的过程，我们所说的基础，不是让你从头去画石膏静物，而是插画创作所需要的基础。老大不小了还从头去画素描静物什么的，那是浪费你自己的生命和时间金钱。插画人数码艺术中心的基础课程是精炼了插画创作所需要的基础知识，去除无用的部分，课程包括构图、结构、造型、动态设计、透视等等方面的知识，运用独特的方式训练你，可以在短期内高效率的提高你的基础能力。

我所说的基础，不是让你从头去画石膏静物，而是插画创作所需要的基础。老大不小了还从头去画素描静物什么的，那是浪费你自己的生命和时间金钱。插画人数码艺术中心的基础课程是精炼了插画创作所需要的基础知识，去除无用的部分，课程包括构图、结构、造型、动态设计、透视等等方面的知识，运用独特的方式训练你，可以在短期内高效率的提高你的基础能力。 ------插画人数码艺术中心。

4.插画的基础知识

1.用电脑绘画的话，就调查来看还是使用PhotoShop的最多，因为它的后期是非常强大的，比如滤镜这方面。

其次是SAI，我自己惯用的是这个。相对于PS来说SAI比较简单，容易上手。

个人觉得SAI的水彩是非常漂亮的。但是最后的后期处理仍是要调回PS。

绘画软件的差别肯定是有的。不过也不分好坏，只是个人习惯问题。

一般电脑绘画都会混用软件的。比如用SAI打草稿，上色，最后用PS做后期，这样的。

另外用的比较多也有的Painter （笔刷的效果很好，不过这款比较复杂，不太好上手）。 Adobe Illustrator （绘制矢量图的话这个很强大，和PS是一家的）。

ComicStudio（日本的专业漫画插画软件，自带的网点很好，不过也比较复杂就是了）。 2.这个我没办法回答。

因为个人觉得能画好画凭借的是一个感觉吧，这种东西是教学书籍无法教给人的。通常多看些图，多有些感受，再加上平时多练习的话，基本上都可以画出好的画来。

既然亲说的是想画兔斯基那种，感觉那种偏向简笔的？我想多看看几米的插画本可能比较好吧。 3.这两种都有。

要看个人是用手绘顺手还是板绘顺手了。 我见过的绘师大部分都是手绘，然后扫描到电脑上进行上色，这样的。

画插画的话我也建议这样，手绘包含的情感其实比较多（笑 当然，不论是哪种，手绘的功底都是最重要的，所以都是要从手绘开始练习起的。 以上。

我是个动画专业的美术生。不过也才入门而已。

希望这些回答能对你有所帮助，如果还有什么疑问也可以PM我~。

5.绘画的常识是什么,如何精通绘画

绘画常识【美术】通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。

十七世纪欧洲开始使用这一名称时，泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时，也具有相当于整个艺术的涵义。

例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道：“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者，原出希腊，其谊为艺。

随后不久，我国另以“艺术”，一词翻译“爱忒”，“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。【型表现手段】造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。

如绘画借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视；雕塑借助于体积和结构等。这些手法和手段，通过长期的艺术实践，形成了这些造型艺术各自独具的特殊的艺术语言，并决定了这些艺术各不相同的表现法则，关系到塑艺术形象的成败，以及艺术作品的感染力。

艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索，精益求精，是使艺术创作能够表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。【黄金分割】亦称黄金律、黄金比例。

在一条线段上，按照最佳长短比例，将此线段分割为长段与短段，或按此最佳长短线段的比例构成一个矩形的最佳的长边与短边的比例，即构成黄金分割。【二度空间】绘画术语。

指由长度（左右）和高度（上下）两个因素组成的平面空间。在绘画中为了真实的再现物象，往往借助透视、明暗等造型手段，在二度空间的平面上造成纵深的感觉和物象的立体效果，即以二度空间造成自然对象那种三度空间的幻觉。

有些绘画，如装饰性绘画、图案画等，不要求表现强烈的纵深效果，而是有意在二度空间中追求扁平的意味，来获得艺术表现力。【三度空间】绘画术语。

指由长度（左右）、高度（上下）、深度（纵深）三个因素构成的立体空间。绘画中，为真实地再现物象，必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。

【质感】绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法，在作品中表现出各种物体所具有的特质，如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各各不同的质的特征，给予人们以真实感和美感。【量感】借助明暗、色彩、线条等造型因素，表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。

如山石的凝重，风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。

运用量的对比关系，可产生多样统一的效果。【空间感】在绘画中，依照几何透视和空气透视的原理，描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系，使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。

【体积感】绘画术语。指在绘画平面上所表现的可视物体能够给人以一种占有三度空间的立体感觉。

在绘画上，任何可视物体都是由物体本身的结构所决定和由不同方向、角度的块面所组成的。因此，在绘画上把握被画物的结构特征和分析其体面关系，是达到体积感的必要步骤。

【透视】绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。

最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。

【透视有三种】1 色彩透视 2 消逝透视 3 线透视.这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视.透视学在绘画中占很大的比重，它的基本原理是，在画者和被画物体之间假想一面玻璃，固定住眼睛的位置（用一只眼睛看），连接物体的关键点与眼睛形成视线，再相交与假想的玻璃.在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置.这是西方古典绘画透视学的应用方法.如中国画在的透视学应用：（1） 【多视点】中国画善于表现丰富的情节，西方绘画注重单视点（类似于摄影）.中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的.因此，中国画用（类似于把摄象的多镜头分割再重新组合）多视点来表现.如（2） 【高视高】采用微俯的视角表现，"远山即高"高山往往是画在远处的，其间再用云雾缭绕加以衔接.表现一种人比山高的心情.中国画是不采用近距离仰视来表现高山的.（2） 【远视距】中国画讲求"仗山尺树，寸马豆人"要求画中物体符合事物的正常比例，因此，画者必须采用远视距来表现.毕加索的作品打破了透视学的基本规律，把一个物体的正面反面，能看见的不能看见的全都表现在一个二维的空间中.理解毕加索的画首先要抛弃透视学.现在的画家已经开始无视一切规则，尝试打破所有的规则.但这些做法又在一个基本的哲学规则之中----打破一个旧的规则，创造新的规则.透视的基本术语【视平线】：就是与画者眼睛平行的水平线。【心点】：就是画者眼睛正对着视平线上的一点。

【视点】：就是画者眼睛的位置。【视中线】：就是视点与心点相连，与视平线成直角的线。

【消失点】：就是与画面不平行的成角物体，在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。【天点】：就是近高远低的倾斜物体（房子房盖的前面），消失在视平线以上的点。

【地点】：就是近高远低的倾斜物休（房子房盖的后面），消失在视平线以下。